『裁かるるジャンヌ』
原題 La passion de Jeanne d'Arc
製作年 1928年。
日本初公開 1929年10月25日。
上映時間 97分。
ジャン＝リュック・ゴダール、フランソワ・トリュフォーら多くの巨匠に影響を与えたデンマークの映画作家カール・テオドア・ドライヤーが、“人間”としてのジャンヌ・ダルクを実際の裁判記録を基に描いた無声映画の金字塔的作品。
ゴダール監督が『女と男のいる舗道』で本作を引用したことでも知られる。
余談ながら、オリジナル・カットを完成させた後、カール・テオドア・ドライヤー監督は、マスター・プリントが誤ってすべて破壊されたことを知った。 再撮影の余力はなく、ドレラヤー監督は当初ボツにした映像から全編を再編集したそうな。
百年戦争で祖国オルレアンを解放へと導いたジャンヌ・ダルク。
しかし敵国イングランドで異端審問にかけられ、過酷な尋問を受ける。
心身ともに衰弱し一度は屈しそうになるジャンヌだったが、神への信仰を貫き自ら火刑に処される道を選ぶ。
カール・テオドア・ドライヤー監督は、映画芸術の最初にして真の巨匠の一人と云える。
彼の演出は巧みなコントロールと技巧が施されてて、個人的に今作品は、彼の映画に対する表現主義と形式主義の二重のアプローチを簡潔に凝縮したものやと思います。
ドライヤー監督は、オルレアンの乙女ジャンヌ・ダルクの試練と苦難を極めて信憑性の高い形で描くことに成功している。
しかし、彼は映画という媒体が知識でも事実でも現実でもないことを知っていたし、決してそうなり得ないことを知っていたと思います。
映画評論家のロジャー・何ちゃら・イーバートってメガネオジサンが雑誌で、『私たちは映画を見ているのではなく、実際にはジャンヌ・ダルク自身の経験の断片を見ているんだ。』なんて述べてた。
それ故に、すべてがクローズアップかミディアムショットで撮影され、エスタブリッシングショットがなく、視覚的なつながりがほとんどない。
こないなように撮影することで、観てる側に圧倒的な閉所恐怖症と不快感を与えて、迫害の媒介となることを意図している。
今作品におけるドライヤー監督の顔のクローズアップの刺激的な使い方については、多くのことが語られてきた。
シワ、イボ、ソバカス、汗、髪の毛、そして2度ほどハエに至るまで、出演者の顔の細部へのこだわりは、彼らの性格や個性を明らかにするものとして使われている。
取るに足らないものが重要な意味を持つ。
彼らの顔は、純粋主義的な "顕微鏡的 "手法で撮影され(どの俳優も化粧をしていないが、これはサイレント時代には前代未聞のこと。 ドライヤー監督は、これが登場人物の顔に力強さを与えていると考えた。)、その特徴や表情は、言葉以上に彼らの感情や思考を深く理解させる。
ルネ・ファルコネッティの顔もまた、ほとんど孤立したショットで映され、しばしば高所から撮影されるため、彼女の精神的孤独と肉体的無防備さが強調されてる。
対照的に、裁判員たちの顔はしばしば下から撮影され、ジャンヌ・ダルクに対する脅威と彼女に対する支配を際立たせている。
また、彼女の顔は決して影になることはなく、しばしばグレーで撮影されてる。
方、裁判員たちは常に影になり、よりはっきりとした白黒の落ち着きを持って撮影されるけど、これは彼らの内面の善悪を象徴していると思う。
ドライヤー監督の俳優に対する残酷で容赦ない扱いも手伝って、演技は間違いなく最高でした。
ドライヤー監督は今作品以降、要求が厳しく独裁的な監督として悪名高い存在となったと聞く。
主演のルネ・ファルコネッティを精神衰弱に追い込んだと伝えられている。
現代なら即アウト。
彼の完全なリアリズム、より正確には完全な本物志向はとどまるところを知らない。
ジャンヌ・ダルクがジョアンの腕が切られるシーンでは本物の刺し傷の血が使われた(それは代役のもので、マリア・ファルコネッティではないが)。
ルネ・ファルコネッティは二度と映画に出演することはなかったが、彼女の演技は間違いなく最高のものの一つやと思います。
今作品のすべては、ジャンヌ・ダルクの心境、彼女の乱れた感情や混乱した思考、そして彼女の肉体的な弱さや精神的な純粋さを伝えるために操作されている。
また、ジャンヌ・ダルクの状態や状況を伝えるのに重要でないものは一切含まれていない。
それ故に、予算の多くは高価なセットに充てられましたが、クローズアップを多用したため、実際のセットはほとんど見られない。
提示される映像はすべて、見たかもしれないもの、見たかもしれない方法を伝えていると考えられる。
それ故に、城門に入るイギリス兵のショットが逆さまになったり後ろ向きになったりするのだと思う、ジャンヌ・ダルクの歴史的な物語と聖書の聖ペテロの物語に寓意的な類似性を見出すことができるからです。
また、彼女が燃えている間に塔が動いているように見えるスイングカメラは、ジョアンの精神的・肉体的な苦しみと、彼女が地上から旅立とうとしている事実を主観的に表現しているのだと思う。
いずれにせよ、これらが単なる様式美ではないことは確かちゃうかな。
ジャンヌ・ダルクと裁判員たちとの関係における裁判員たちの角ばった構図、時には頭半分だけ、あるいは少なくとも頭部だけを映し出す不規則なフレーミング、そして、裁判員たちがフレームを出たり入ったりしながら撮影されることで、ジャンヌ・ダルクの精神状態や、敬虔で二枚舌の告発者たちを前にした彼女の誠実さや正直さをより鮮明に映し出している。
加えて、『カリガリ博士』の表現主義的セットで有名なヘルマン・ヴァルムによる奇妙奇天烈なセットデザインは、見る者を幻滅させ、不穏な全体的効果をさらに高めている。
すなわち、制度化された宗教と個人の信仰との相容れなさ、女性に対する男性の肉体的優位（今となっちゃいささか古いけど）、地上の野心や腐敗に対する人間の魂の力への憧憬ととれる。
これらのテーマは、ほとんどすべての作品において、ドライヤー監督にとって個人的に重要な意味をもっているようにみうけられる。
彼の映画には人間性があり、すべての登場人物に無関心ではなく共感を与えたいという願望がある。
今作品は、耽美的でありながら静謐な美しさを持ち、心理的に妥協がなく、しかし精神的に感動を与える作品である。
1,500カットにも及ぶカット割りや、章立てを明確にした構成、そして、先に述べたように、ジャンヌ・ダルクに密着し、常に彼女の身の回りの環境と関連させながら撮影されているため、シンプルで自然な印象を与えるが、実際には高度に洗練され、様式化されている。
また、ジャン・黒糖じゃないコクトーがこの映画について語ったことが、より真実味を帯びてくる。
それは、今作品が
『映画が存在しなかった時代の歴史的資料』
のようだということ。
また、リチャード・アインホルンの『Voices Of Light（光の声）』という音楽は、1995年にこの映画とともに初めて発表されたものやそうやけど、紛れもなく創造的で、実にインスピレーションに満ちた作品であり、今作品の強烈な感情、力強さ、催眠術にかかったように魅力的な映像をさらに引き立てていた。
