蒼い月の夜に。




第98回(2025年度)🇺🇸アカデミー賞にて
主演男優賞、脚本賞にノミネート。

イーサン・ホーク！
初めて劇場でイーサンと出会ったのは1990年の春に観た「いまを生きる」。
あれから36年。
まぁ、イーサンの出演作の半分くらいは見てると思います。
たぶん。😅
そんな30年以上のキャリアを誇るイーサン・ホークが今回初めてアカデミー主演男優賞にノミネート！
(助演のノミネート歴は過去に2度あり)
やっとここまで辿り着きましたね！😭


さて本作　⚠️ネタバレあり⚠️


実在した伝説の作詞家ロレンツ・ハート。
本作は彼の『たった一夜』の物語。

この作品のタイトルにもなっていて『名曲』とされているらしい「ブルームーン」
私はちょっと 馴染みがない。
子豚ちゃんが主役の映画「ベイブ」の中で小ネズミたちが劇中でこの曲を歌っていたような？🤔

ロレンツ・ハートという人物も恥ずかしながら本作観るまで知らなかった。
ちょっと勉強不足が祟ったのか・・・
正直 私が好みなタイプの作品じゃなかった。
なんか舞台劇を観ているような映画。

イーサン・ホークの演技は世界で絶賛されているのも
納得の素晴らしさ。
劇中、ほぼ出ずっぱり、喋りっぱなし！
大量のセリフを喋り倒す。
覚えるのは さぞかし大変だったろうに。
イーサンは確かに凄かったのだが・・・
『一本の映画』としては魅力を感じない。
劇中でイーサンが話している内容も戦時中の舞台の話と彼が出会った若き女性を絶賛する『褒め』と『愚痴』ばかり。
字幕を読んでいくだけで精一杯😮‍💨
しかも'40年代の舞台業界の背景の知識が全く無いのであまり頭に入ってこない。
将来有望な若き女性を演じたマーガレット・クアリーも観る前の想像以上に出番が少なく『添えもの』的存在に終わってしまっているのも もったいない。😔
せっかく「サブスタンス」で一株上げたのに。

すべては たった一夜で ひっくり返る。

ひとりの孤独な男の『慈悲』を短い尺の中で演じ切ったイーサン・ホークの俳優としての魅力を堪能するには
十分すぎるくらいな作品。

しかし・・・

友人やフォロワーさん達にオススメするのがとても難しく、

レビュー泣かせな作品でもあった😅
(書くのが とても しんどかった。)


2026年 3月9日 11:25〜
新宿ピカデリー screen 2
💺288席
客入り　50人くらい。

ずーっと昔から思っている事があるんですが。

新宿ピカデリーの座席横のカップホルダー🥤
ちっちゃ過ぎてスマホが入らないんだよね😅😔

時代に取り残された中年作詞家がひたすら自分語りをするという迷惑な話

その姿は情けなくて、惨めで、哀しい… もし実際にバーで出会ったら地獄でしかないし、映画として100分見せられるのもまあまぁ苦痛。明日は我が身と思えばとんでもなく恐ろしいが…

『ブルームーン』
原題 Blue Moon
製作年 2025年。上映時間 100分。
映倫区分 G　製作国 アメリカ
ブロードウェイの伝説的作詞家ロレンツ・ハートが訪れたパーティで過ごす一夜を描いた会話劇。
小劇場にて。

消えゆく街灯が、昇り始めた太陽に飲み込まれる直前の、最も青く痛烈なきらめき物語の幕が下り、静寂が劇場を支配するその刹那。　　　　　　　　　　
作中で描かれる『オクラホマ！』の初演夜。
それはアメリカのミュージカル史が、洗練された都会的な愛から広大な土地への讃歌へと、つまり作詞家ロレンツ・ハートからハマースタインへと主役が交代した決定的な瞬間。
云うなれば、ミュージカルが都会的な遊びを脱ぎ捨て、物語を描く総合芸術へと進化した瞬間と云える。

​余談ですが、ハートの武器は都会的でシニカルな言葉遊び、対するハマースタインは、歌・ダンス・物語を完璧に融合させ、登場人物の感情を地続きで描く、ブック・ミュージカルを確立した。
当時、戦時下のアメリカは、ハートの描く複雑で苦い愛よりも、ハマースタインが描く素朴で力強い希望を求めてたんもある。
華やかな群舞ではなく、一人の男の歌声で静かに始まった『オクラホマ！』は、それまでのブロードウェイの常識を破壊し、ハートという天才を過去の遺物へと追いやった決定的な一撃となったんす。
まさに、簡単酢〜う（失礼。これ1本で簡単に、やけど複雑に）、歴史の風味を鮮やかに変えてしまった。

​リンクレイターは、レストラン・サーディーズの喧騒を、まるで『ビフォア・サンライズ』のウィーンの街角のように、終わりのない対話で満たしてました。
しかし、かつてのジェシーとセリーヌが未来への希望を語ったのに対し、ここでホーク演じるハートが語るのは、夜露のように失われゆく自己の価値。
なんと云っても、今作品で使用される楽曲とその歌詞が、単なるBGMやなく、ハートの魂の叫びとして機能している点は善哉。

​例えば、タイトルにもなっている『Blue Moon』。
この曲はもともと映画の挿入歌として3度も歌詞を書き直させられたという不遇の歴史を持ってるが、作中では、一人きりで立っている（Standing all alone）という歌詞が、群衆の中にいながら孤立していく彼の境遇と、あまりにも完璧にシンクロしてて胸が痛む。

​また、『My Funny Valentine』の歌詞に含まれる、自分を否定しながらも愛を乞う屈折した自己愛は、ホークの震えるような繊細な演技によって、現代に生きる私たちの承認欲求と自己嫌悪の鏡として、痛切に突きつけられます。
​　Is your figure less than Greek?
　Is your mouth a little weak?
　When you open it to speak, are you smart?
​（ビジュが完璧ってわけでもないし？）
（口元とか、ぶっちゃけ締まりないし？）
（喋りだしたら、中身スッカスカに見えへん）
​愚解釈ですが、相手を少し下げることで自分との結びつきを強めようとする、マウントと依存が混ざった現代的な空気感かかな。
​　Don't change a hair for me, not if you care for me.
　Stay, little Valentine, stay!
　Each day is Valentine's Day.
​（私のためにマジで髪型ひとつ変えないで。私を推してくれてるなら。）
（離れないで、私の小さなバレンタイン。お願い、行かないで！）
（君さえいれば、毎日が記念日（命日）になっちゃうから。）
​作中でイーサン・ホークが震える声で演じるこの"Stay"は、単なる愛の告白やなく、時代の移り変わりに怯えるハート自身が、自分の価値を認めてくれる鏡を失いたくないちゅう、悲痛な承認欲求の叫びとして響いた。

​特筆すべきは、第2次世界大戦下という時代背景の取り込み方。
外では若者たちが戦地へ向かい、国全体が愛国心と健全さを求めている中で、同性愛者であり、アルコール依存を抱え、皮肉屋であるハートは、あまりにも不健全な過去の遺物として浮き彫りになる。

​かつての相棒リチャード・ロジャースが、ハマースタインと共に
" Oh, What a Beautiful Mornin' "
という明るい希望を歌い上げた時、ハートが感じたのは、単なる嫉妬やなく、自分の居場所がこの世界から消滅したっていう、形而上学的な絶望やったんに違いない。
ロジャース＆ハート時代の楽曲がいかにひねくれた知性に満ちていたかを知っているのは居はると思う。
​リンクレイターは、その知性が、大衆向けの分かりやすい感動へと飲み込まれていく時代の移り変わりを、長回しのカメラワークと、ホークの独白に近い台詞の応酬で描き出してました。
ホークの表情には、かつての栄光への執着と、それを捨てきれない自分への冷笑が同居してて、その姿はまさに、存在が本質に先行することを証明しようとして破れ、不条理の中に消えていくまるでアウトローな哲学者のよう。

​今作品は、100分間という上映時間そのものが、一人の天才が、過去から伝説へと変わるための通過儀礼のように感じられます。
　" Like a rite of passage for a genius fading from the present into legend."
​夜明けと共に彼が街へ消えていくラストシーンの静寂は、賑やかなパーティの音よりも雄弁に、一つの時代の終焉と、個人の孤独を物語っていました。。。

観終えた後、『Blue Moon』のメロディを、これまでとは全く違う、痛烈な調べとして聴くことになるかな。。。
​青い街灯が朝陽に溶けて消えるその瞬間にだけ見える、最も鋭く、最も寂しい光。
そんな余韻を、この文章から感じ取っていただければ幸いです。

リチャード・リンクレイターとイーサン・ホークという、『ビフォア』シリーズで時間と対話の魔法を証明してきたコンビが、ついに伝説的な作詞家ロレンツ・ハートの終焉という、最も残酷で美しい主題に辿り着いたことに胸が熱くなった。
今作品は単なる伝記映画ではなく、1943年3月31日の夜という一点にすべてを凝縮した、極めて濃密なワンナイト・シアターとも云える。